Dies ist die erste große Ausstellung dieser Art, die die Sammlung der MSN präsentiert. die Ausstellung „Non-Permanent Exhibition. 4 × Sammlung“ wird am Freitag, dem 21. Februar, eröffnet. Die gezeigten Werke geben einen Überblick über die in fast zwei Jahrzehnten aufgebaute Sammlung des Museums. Mehr als 150 Werke, die seit den 1950er Jahren entstanden sind, wurden für die Besucher vorbereitet. Die Ausstellung ist bis zum 5. Oktober zu besichtigen, Eintrittskarten sind im Vorverkauf erhältlich. Der Besuch am Freitag, dem 21. Februar, ist kostenlos.
Die ausgestellte Sammlung besteht aus Werken und Dokumenten, die von den Veränderungen in der bildenden Kunst in den letzten sieben Jahrzehnten sowohl in Polen als auch international zeugen. Die Werke bringen die Vielfalt der Medien und der künstlerischen Haltungen zum Ausdruck und veranschaulichen die Dynamik der Beteiligung der Künstler am gesellschaftlichen Leben, die Verbreitung von Informationen und die Entwicklung neuer Technologien.
Von Anfang an stützte sich unsere Sammlung auf lebendige Beziehungen zu zeitgenössischen Künstlerinnen und Künstlern und spiegelte auch die Debatten in der Kunstszene wider. Der regelmäßige Aufbau der Sammlung wird durch ein Programm des Ministers für Kultur und Nationales Erbe ermöglicht, aber ebenso wichtig sind die Basisbewegungen und experimentellen Methoden des Erwerbs von Werken, die die Form der Sammlung der MSN maßgeblich beeinflusst haben. Die erste Gruppe von Werken in der Sammlung des Museums für Moderne Kunst in Warschau – die im Rahmen der Ausstellung Art More Precious Than Gold Ende 2008 und Anfang 2009 gezeigt wurde – war ein Geschenk von Künstlern, die die Idee der Gründung des Museums unterstützten, sagt Joanna Mytkowska, Direktorin des MSN.
Die Ausstellung, die von einem Kuratorenteam bestehend aus: Sebastian Cichocki, Tomasz Fudala, Magda Lipska, Szymon Maliborski, Łukasz Ronduda und Natalia Sielewicz, wird in vier Teile gegliedert sein, die ineinandergreifen und gleichzeitig separate Kapitel einer einzigen Geschichte darstellen. Sie orientieren sich an wiedererkennbaren Begriffen der Kunstgeschichte wie Pop Art, sozialer Realismus oder Abstraktion und decken denselben historischen Zeitraum ab – von den 1950er Jahren bis zur Gegenwart. Jeder der vier Abschnitte präsentiert einen anderen Zugang zu derselben Zeit der Kunstgeschichte. Die Präsentation mehrerer Perspektiven ist eine offene Einladung an das Publikum, seine eigenen Besuchsweisen frei zu gestalten, Nuancen wahrzunehmen und individuelle Wege zur Erkundung von Werken aus der Sammlung des Museums zu suchen.
Der Rundgang beginnt mit einer Sammlung von Werken, die mit politischem Engagement und dem Traum von einer besseren Welt durch Kunst zu tun haben. Der nächste Abschnitt umfasst Werke, die aus der Faszination für Populärkultur, Werbung und Design entstanden sind. Der nächste Abschnitt präsentiert Kunst, die auf einer kompromisslosen Vorstellungskraft beruht und sich von nicht-modernen Traditionen inspirieren lässt: Volkskunst, nicht-professionelle Kunst, indigene Kunst und künstlerische Praktiken, die sich außerhalb von Zentren und deren Regeln entwickeln. Der letzte Teil der Ausstellung beleuchtet die Frage nach den Grenzen der Kunst, ihrer Unabhängigkeit von anderen Wissenssystemen und kulturellen Produkten, insbesondere im Kontext des Verfalls und der Zerstörung der Welt, wie wir sie kennen.
Einige dieser Kapitel sind chronologisch geordnet, andere beruhen auf ästhetischen oder morphologischen Gegenüberstellungen. Die Achsen, auf denen die Ausstellung der Sammlung aufgebaut ist, bewegen sich zwischen Verbindlichkeit und Autonomie, zwischen populärer, lebensnaher Kunst und affektiver Kunst, die ihre eigenen Welten und Sprachen schafft. Auf diese Weise lässt sich beobachten, wie sehr die Bedeutung von Kunstwerken von dem Kontext abhängt, in dem sie gesehen werden. Auf diese Weise wollen die Kuratoren der Ausstellung die symbolische „Macht des Diskurses“ mit dem Publikum teilen, das zusammen mit der Erzählung der Sammlung „Anweisungen“ erhält, um gemeinsam mit ihnen – parallel oder unabhängig von der vorgeschlagenen Bildsprache – Bedeutungen zu schaffen, die sich aus der Gegenüberstellung der einzelnen Kunstwerke ergeben.
NICHT DAUERHAFTE AUSSTELLUNG. 4 × SAMMLUNG.
Im ersten Teil der Ausstellung mit dem Titel Das Banner. Engagement, Realismus und politische Kunst sind Werke versammelt, die mit politischem Engagement und dem Glauben an die kausale Rolle der Kunst zu tun haben. Die Werke stammen aus verschiedenen Ländern, Jahrzehnten und ideologischen Richtungen. Es geht um den Triumph der menschlichen Figur, um journalistische Inhalte und um den Glauben an die Universalität der Sprache der Kunst. Ein Teil der Geschichte handelt auch von Propaganda: Kunst in Aktion, auf Gedeih und Verderb mit der aktuellen Politik verbunden. Dieser Teil der Ausstellung beginnt mit der Skulptur Freundschaft von Alina Szapocznikow aus dem Jahr 1954, die fast ein halbes Jahrhundert lang im Foyer des Palastes für Kultur und Wissenschaft stand. Nach 1992 wurde beschlossen, sie zu verschrotten – die Arme der Figuren und das Banner, das sie in der Hand hielten, wurden entfernt, um die Skulptur aus dem Gebäude zu bringen. Diese fehlenden Elemente wurden nie wieder gefunden. Neben Szapocznikows Skulptur „fliegt“ ein Stahlbanner des ukrainischen Künstlers Nikita Kadan. Es wurde aus Fragmenten der Karosserie eines zerschossenen Autos hergestellt, das in der Stadt Sewerodonezk gefunden wurde, die 2014 von prorussischen Streitkräften eingenommen wurde. Nach dem Einmarsch Russlands in die Ukraine im Jahr 2022 (und der vorangegangenen Annexion der Krim im Jahr 2014) ist die Ordnung in Europa wieder einmal zusammengebrochen.
Der zweite Teil der Ausstellung trägt den Titel Plastics: bodies, commodities, fetishes from the Cold War to the present. Er zeigt Werke, die von Konsumwünschen, der Faszination für Popkultur, Werbung und Massenmedien zeugen – und zwar nicht nur in Gesellschaften, die nach dem Zweiten Weltkrieg einen wirtschaftlichen Aufschwung und ein gesteigertes Konsumverhalten erlebten, sondern auch bei den Bewohnern der „armen Peripherie“, einschließlich Osteuropas und des globalen Südens. Die wichtigste Metapher ist hier der „Plastikkörper – der Körper, der in einem totalitären Regime Bilder von hinter dem Eisernen Vorhang konsumiert. Plastik (und Paraffin), die Errungenschaften des postindustriellen Kapitalismus, schlagen in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts sowohl in Wohlfahrtsgesellschaften als auch in sozialistischen Volkswirtschaften hohe Wellen. Ein Werk, das die militärisch-konsumistischen Ursprünge von Kunststoffen und die sie umgebenden Fantasien aufgreift, ist die Skulptur der Schweizer Künstlerin Sylvie Fleury aus Kunstharz und Fiberglas, einem für die Armee erfundenen Material. Sie stellt schlanke, gekreuzte Frauenbeine in Türkis dar, die von einer silbernen Vinylhülle umhüllt sind. In den 1950er Jahren wurden sowohl der postmilitärische Schützengraben als auch das Glasfasermaterial durch Mode und Design populär. Der perverse Titel des Werks – Silver Rain – bedeutet im englischen Jargon sowohl Geschlechtsverkehr als auch Kriegsangriff.
Das dritte Kapitel der Ausstellung trägt den Titel The Transfigured World. Kunst, Spiritualität und zukünftige Koexistenz. Die hier versammelten Werke stützen sich auf eine kompromisslose Vorstellungskraft und nicht-moderne Traditionen: Volkskunst, nicht-professionelle Kunst, indigene Kunst, separate künstlerische Praktiken. Die präsentierten Objekte und künstlerischen Haltungen sind durch das Bestreben vereint, die vorgefundene Realität zu „durchschauen“, in ihre Tiefen vorzudringen und ihr dunkles, spirituelles und existenzielles Potenzial zum Vorschein zu bringen. Die Gegenüberstellung von Künstlern aus oft sehr weit entfernten geografischen und politischen Kontexten zeigt die Möglichkeit einer zukünftigen Gemeinschaft. Dieses Ausstellungskapitel der Sammlung wurde durch das Werk von Roman Stanczak inspiriert. Er gehört zu der Generation von Künstlern, die während der politischen Wende ihr Debüt gaben. Stańczak hat die Spannungen dieser Zeit nachempfunden – einen rasanten Wandel, bei dem seiner Meinung nach das Wesentliche der Kunst und der Existenz selbst verloren ging: die Sensibilität für andere und die Erfahrung von Tiefe, wenn die Produktion von Dingen und der Erwerb von Gütern über die Reflexion über das Wesentliche des Lebens hinauswächst. Der dritte Teil der Ausstellung zeigt auch eine spektakuläre skulpturale Installation von Cathy Wilkes aus dem Jahr 2014. Die von der Künstlerin nachgestellte Szene der „Domestizierung“ besteht aus einem mehrteiligen Tableau aus gefundenen Gegenständen – Geschirr, Tischdecken und Kleinigkeiten – sowie handgefertigten Schaufensterpuppen aus Garn und alten Stoffen.
Der letzte Teil der Ausstellung der MSN-Sammlung trägt den Titel Reale Abstraktionen. Die Autonomie der Kunst im Angesicht der Katastrophen der Moderne. Er greift die Frage nach den Grenzen der Kunst, ihrer Unabhängigkeit und ihrer Fähigkeit, sich von anderen Wissens- und Erfahrungssystemen der Wirklichkeit abzugrenzen, wieder auf. Die in diesem Kapitel der Ausstellung versammelten Werke bedienen sich häufig der Sprache der Abstraktion, einer der Grundkategorien der modernen Kunst. Wir betrachten sie dieses Mal durch das Prisma einer Diskussion über die Krise der Moderne als Traum von Fortschritt und unbegrenzter Entwicklung. Wird es der Moderne gelingen, die Katastrophen zu bewältigen, die sie beschleunigt oder sogar selbst verursacht hat?
Den zentralen Platz in diesem Teil der Ausstellung nimmt Monika Sosnowskas Façade ein, eine Skulptur, die auf die moderne Architektur als Illustration ihres Verfalls und ihrer Katastrophe verweist. Die Künstlerin stützt sich bei diesem Werk auf einen fast magischen Trick, indem sie die modernistische Metallstruktur wie eine Lebensform in ihrem Endstadium durchhängen und verwelken lässt. Die moderne Form unterliegt hier den Zerfallsprozessen, die der Natur und der Biologie eigen sind. Sosnowska beschwört auf perverse Weise die Faszination der Moderne für natürlich vorkommende Formen herauf.
Eintrittskarten für die Nichtständige Ausstellung. 4 × Collection im Museum für Moderne Kunst in Warschau werden ab dem 14. Februar verkauft. Dank der strategischen Partnerschaft mit der Marke Audi ist der Eintritt zur Ausstellung am Freitag, dem 21. Februar, frei. Mehr über die Zusammenarbeit zwischen MSN und Audi haben wir HIER geschrieben.
Kuratorenteam: Sebastian Cichocki, Tomasz Fudala, Magda Lipska, Szymon Maliborski, Łukasz Ronduda und Natalia Sielewicz.
quelle: Pressematerialien, MSN
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