Se trata de la primera exposición a gran escala de este tipo que presenta la colección de la MSN. exposición no permanente. 4 × colección» se abrirá al público el viernes 21 de febrero. Las obras expuestas son una panorámica de la colección del Museo formada a lo largo de casi dos décadas. Se han preparado para los visitantes más de 150 obras creadas desde los años 50. La exposición podrá visitarse hasta el 5 de octubre, con entradas anticipadas. Las visitas del viernes 21 de febrero serán gratuitas.
La colección expuesta consta de obras y documentos que dan testimonio de los cambios que han tenido lugar en las artes visuales en las últimas siete décadas, tanto en Polonia como a escala internacional. Las obras expresan la diversidad de medios y actitudes artísticas, e ilustran la dinámica de la participación de los artistas en la vida social, la circulación de la información y el desarrollo de las nuevas tecnologías.
Desde el principio, nuestra colección se ha construido sobre la base de vivas relaciones con mujeres y hombres artistas contemporáneos, y también ha reflejado los debates que tienen lugar en la comunidad artística. La creación regular de la colección es posible gracias a un programa del Ministerio de Cultura y Patrimonio Nacional, pero igualmente importantes son los movimientos de base y los métodos experimentales de adquisición de obras que han influido significativamente en la forma de la colección de la RSM. El primer grupo de obras de la colección del Museo de Arte Moderno de Varsovia -mostrado en la exposición Art More Precious Than Gold a finales de 2008 y principios de 2009- fue un regalo de artistas que apoyaron la idea de crear el Museo «, afirma Joanna Mytkowska, directora del MSN.
La exposición, creada por un equipo curatorial formado por: Sebastian Cichocki, Tomasz Fudala, Magda Lipska, Szymon Maliborski, Łukasz Ronduda y Natalia Sielewicz, estará dividida en cuatro partes que se entrelazan y al mismo tiempo constituyen capítulos separados de una misma historia. Orientadas en torno a términos reconocibles de la historia del arte, como arte pop, realismo social o abstracción, abarcan el mismo periodo histórico: desde la década de 1950 hasta la actualidad. Cada una de las cuatro secciones presenta un enfoque diferente de la misma época de la historia del arte. La presentación de múltiples perspectivas es una invitación abierta al público para que construya libremente sus propios modos de visita, advierta los matices y busque formas individuales de explorar las obras de la colección del Museo.
El recorrido de la visita comienza con una colección de obras relacionadas con el compromiso político y los sueños de construir un mundo mejor a través del arte. La siguiente sección incluye obras resultantes de la fascinación por la cultura popular, la publicidad y el diseño. La siguiente sección presenta un arte basado en una imaginación sin concesiones, que se inspira en tradiciones no modernas: el arte popular, el arte no profesional, el arte indígena y las prácticas artísticas que se desarrollan al margen de los centros y sus reglas. La última sección de la exposición pone de relieve la cuestión de los límites del arte, su independencia de otros sistemas de conocimiento y productos culturales, especialmente en el contexto de la decadencia y destrucción del mundo tal y como lo conocemos.
Algunos de estos capítulos tienen una ordenación cronológica, otros se basan en yuxtaposiciones estéticas o morfológicas. Los ejes sobre los que se construye la exposición de la colección se tensan entre el compromiso y la autonomía, y entre el arte popular, cercano a la vida, y el arte afectivo, que crea sus propios mundos y lenguajes. De este modo, es posible observar hasta qué punto el significado de las obras de arte depende del contexto en el que se contemplan. De este modo, los comisarios de la exposición quieren compartir el «poder del discurso» simbólico con el público, al que, junto con la narrativa de la colección, se dan «instrucciones» para que cree significados junto con ellos -en paralelo o independientemente de la imaginería propuesta- resultantes de la yuxtaposición de las obras de arte individuales.
EXPOSICIÓN NO PERMANENTE. 4 × COLECCIÓN.
En la primera parte de la exposición, titulada La Bandera. Compromiso, realismo y arte político, se recogen obras relacionadas con el compromiso político y la creencia en el papel causal del arte. Las obras proceden de distintos países, décadas y órdenes ideológicos. Hay un triunfo de la figura humana, un contenido periodístico y una creencia en la universalidad del lenguaje del arte. Parte de la historia es también propaganda: arte en acción, para bien o para mal vinculado a la política actual. Esta parte de la exposición se abre con la escultura Amistad, de Alina Szapocznikow, de 1954, que permaneció en el vestíbulo del Palacio de Cultura y Ciencia durante casi medio siglo. Después de 1992, se decidió desguazarla: se retiraron los brazos de las figuras y la pancarta que sostenían para sacar la escultura del edificio. Estos elementos desaparecidos nunca se han vuelto a encontrar. Cerca de la escultura de Szapocznikow «vuela» una pancarta de acero del artista ucraniano Nikita Kadan. Se hizo con fragmentos de la carrocería de un coche tiroteado encontrados en la ciudad de Severodonetsk, tomada por las fuerzas militares prorrusas en 2014. Tras la invasión rusa de Ucrania en 2022 (y la anterior anexión de Crimea en 2014), el orden en Europa ha vuelto a desmoronarse.
La segunda parte de la exposición se titula Plásticos: cuerpos, mercancías, fetiches desde la Guerra Fría hasta la actualidad. En ella se exponen obras que expresan deseos consumistas, fascinación por la cultura pop, la publicidad y los medios de comunicación de masas, no sólo en las sociedades que experimentaron un auge económico y un aumento del consumismo tras la Segunda Guerra Mundial, sino también entre los habitantes de la «periferia pobre», incluida Europa del Este y el Sur Global. La metáfora principal es el «cuerpo de plástico – el cuerpo que consume imágenes desde detrás del Telón de Acero en un régimen totalitario. El plástico (y la parafina), adquisiciones del capitalismo postindustrial, hacen furor en la segunda mitad del siglo XX tanto en las sociedades del bienestar como en las economías socialistas. Una obra que explota los orígenes militar-consumistas del plástico y las fantasías que lo rodean es la escultura de resina sintética y fibra de vidrio, material inventado para el ejército, de la artista suiza Sylvie Fleury. Representa unas esbeltas piernas femeninas cruzadas de color turquesa, envueltas en una funda de vinilo plateado. En los años 50, la moda y el diseño popularizaron tanto la trinchera posmilitar como la fibra de vidrio. El perverso título de la obra -Lluvia de plata- en la jerga inglesa significa tanto relación sexual como ataque bélico.
El tercer capítulo de la exposición se titula El mundo transfigurado. Arte, espiritualidad y coexistencia futura. Las obras aquí reunidas recurren a una imaginación sin concesiones y a tradiciones no modernas: arte popular, arte no profesional, arte indígena, prácticas artísticas separadas. Los objetos presentados y las actitudes artísticas están unidos por el empeño de «ver a través» de la realidad encontrada, de llegar a sus profundidades, sacando a la luz su potencial oscuro, espiritual y existencial. La yuxtaposición de artistas procedentes de contextos geográficos y políticos a menudo muy distantes muestra la posibilidad de una comunidad futura. Este capítulo de la exposición de la colección se inspira en la obra de Roman Stanczak. Pertenece a la generación de artistas que debutó durante la transformación política. Stańczak recreó las tensiones de este periodo, un cambio rápido que, en su opinión, perdió lo más esencial del arte y de la propia existencia: la sensibilidad hacia los demás y la experiencia de la profundidad, cuando la producción de cosas y la adquisición de bienes crece por encima de la reflexión sobre la esencia de la vida. La tercera parte de la exposición cuenta también con una espectacular instalación escultórica de Cathy Wilkes de 2014. La escena de «domesticación» recreada por la artista consiste en un cuadro de varias piezas de objetos encontrados -vajilla, servicios de mesa y pequeñas baratijas-, así como maniquíes hechos a mano con hilo y telas viejas.
La última parte de la exposición de la colección de la RSM se titula Abstracciones reales. La autonomía del arte frente a las catástrofes de la modernidad. En ella se vuelve a plantear la cuestión de los límites del arte, de su independencia, de su capacidad para mantenerse al margen de otros sistemas de conocimiento y experiencia de la realidad. Las obras reunidas en este capítulo de la exposición utilizan a menudo el lenguaje de la abstracción, una de las categorías básicas del arte moderno. Esta vez las contemplamos a través del prisma de un debate sobre la crisis de la modernidad como sueño de progreso y desarrollo ilimitado. ¿Logrará la modernidad hacer frente a las catástrofes que ha acelerado o incluso provocado ella misma?
El lugar central de esta parte de la exposición lo ocupa Fachada, de Monika Sosnowska, una escultura que se refiere a la arquitectura moderna como ilustración de su decadencia y catástrofe. La artista basa esta obra en un truco casi mágico, haciendo que la estructura metálica modernista se hunda y se marchite como una forma de vida en su fase terminal. Aquí, la forma moderna está sujeta a los procesos de decadencia inherentes a la naturaleza y la biología. Sosnowska evoca perversamente la fascinación modernista por las formas naturales.
Entradas para la exposición no permanente. colección 4 × en el Museo de Arte Moderno de Varsovia estarán a la venta a partir del 14 de febrero. Gracias a la asociación estratégica con la marca Audi, la entrada a la exposición del viernes 21 de febrero es gratuita. Escribimos más sobre la colaboración entre la MSN y Audi AQUÍ.
Equipo de comisarios: Sebastian Cichocki, Tomasz Fudala, Magda Lipska, Szymon Maliborski, Łukasz Ronduda y Natalia Sielewicz.
fuente: material de prensa, MSN
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