Voller verblüffender Objekte, Fetzen von Materie und Leben, die in den Bildern wie Nachbilder von Erinnerungen wiederkehren. Das Atelier des Künstlers Mateusz Piestrak ist ein Laboratorium für Ideen. Hier treffen Dinge und Ideen aufeinander und lösen Impulse für die Suche nach neuen Bildern aus – erst in der Fantasie, dann auf der Leinwand. Der bildende Künstler Mateusz Piestrak wird von Agata Kiedrowicz interviewt
Mateusz Piestraks Werke sind auf der Plattform www.onarte.pl im Rahmen der Ausstellung “OBJECTS FOR THINKING” zu sehen. KURATORISCHE AUSWAHL VON ON*ARTE UND WHITEEMAD ART” ZU SEHEN. Weitere Informationen finden Sie, wenn Sie HIER klicken.
Agata Kiedrowicz: Haben Sie ein künstlerisches Vergnügen? Worin bestehen sie, und wann werden sie zu einem Gemälde?
Mateusz Piestrak: Ich arbeite in dem Modus, dass ich ständig verschiedene Bilder wahrnehme. Nicht im Sinne fertiger Kompositionen, sondern indem ich Fragmente der Realität auffange und sie in mögliches visuelles Material zur Verwendung umwandle. Ich lege diese ‘Dateien’ irgendwo im Hinterkopf ab, auch auf dem Computer – ich mache viele Fotos. Je uninteressanter sie auf den ersten Blick sind, desto besser. In dem Moment, in dem zwei einander fremde Teile auf eine nicht offensichtliche Weise zusammenkommen, beginnt der Prozess der Bildgestaltung. Zunächst in meinem Kopf, dann in Skizzen, meist am Computer, manchmal aber auch analog auf Papier. Noch bevor ich mit dem Malen beginne, reift das Bild und wird in meiner Vorstellung zur Realität. Wenn ich mich der Leinwand nähere, weiß ich bereits, wie es aussehen wird, wovon es handeln wird, aus welchen Fragmenten es bestehen wird und wie ich sie zusammensetzen werde. In diesem Stadium überrascht mich normalerweise nichts mehr. Was dann kommt, das physische Malen, ist ein Prozess, den ich eigentlich mit Spaß verbinde, mit dem Lösen eines Rätsels, einer spannenden Aufgabe. Der Prozess kann mich vielleicht mit einigen Nuancen überraschen, die mir künstlerische Freude bereiten. Die Art und Weise, wie sich die Farbe auf der Leinwand absetzt, oder die Tatsache, dass sich ein Element des Entwurfs nicht in die Komposition übertragen hat und ein interessanter Fehler gemacht wurde. Aber das sind eher kleine Überraschungen.
Gibt es einen Schlüssel, nach dem Sie die einzelnen Fragmente zusammenfügen? Welcher Sinn arbeitet bei der Auswahl der Stimuli am intensivsten?
Der mit Abstand wichtigste ist für mich das Sehen. Ich setze alles, was ich erlebe, in Bilder um. In diesem Sinne habe ich auch das Gefühl, dass ich alles, was ich sehe, in irgendeiner Weise verflache. Es geht nicht um eine oberflächliche Betrachtung der Dinge, sondern um ein Interesse an Oberflächen, die manchmal einen zweiten, dritten Grund haben, versteckte Bedeutungen. In der Malerei geht es darum, die Oberfläche der Dinge zu zeigen. Hinter dieser Fassade verbergen sich Assoziationen, und diese benutze ich als Klebstoff, um die verschiedenen Elemente des Bildes zu nicht offensichtlichen Nebeneinanderstellungen zusammenzufügen. Solche, die in der Realität nicht vorkommen oder die die Fantasie anregen.
Sie betonen, dass die Malerei oberflächenbasiert ist. Sie sammeln Bedeutungen, die von Ihrer Sensibilität verarbeitet werden, und reduzieren sie auf eine flache Oberfläche, die Sie dann dem Betrachter in Form eines Bildes vorschlagen. Wollen Sie, dass der Betrachter das Rätsel löst, dass er entschlüsselt, woraus die Komposition besteht?
Ich bin mir sehr wohl bewusst, dass ich mit dieser Oberflächlichkeit spiele, provoziere. Sowohl ich als auch der Betrachter wissen, dass sich hinter der flachen Oberfläche verschiedene Dinge verbergen. Manchmal spiele ich mit der Illusion von Räumlichkeit oder mit dem Verdecken oder Freilegen verschiedener Leinwandschichten in einem Gemälde. Ich suggeriere, dass hinter diesen Fassaden weitere Schichten, weitere Bedeutungen zu finden sind. Ich spreche zwar viel über diese Oberfläche, aber ich bleibe keineswegs dabei stehen. Die Idee ist, alles zuerst auf die flachen Ansichten zu reduzieren. Und dann in ihnen zu graben und verschiedene Kontexte, Interpretationen zu finden.
Und wann betiteln Sie Ihre Arbeiten?
Das variiert mit den Titeln. Manchmal habe ich bereits fertige Bilder oder sehr spezifische Konzepte, aber ich habe absolut keine Ahnung, welche Worte ich dazu sagen soll. In letzter Zeit habe ich begonnen, sensibler auf Worte zu reagieren. Sie haben begonnen, mir verschiedene Ideen für Bilder zu geben. Denn obwohl ich in meiner Arbeit keine Sprache oder Text verwende, achte ich sehr darauf, welche Worte ich in Gesprächen oder Medienbotschaften höre. Ich löse auch gerne Wörter aus dem Kontext und überlege, wie sie mit anderen Textstücken kombiniert werden können, um so poetische Gegenüberstellungen zu schaffen. Ich habe auch begonnen, interessante Schlagworte zu katalogisieren, die in Zukunft zu Bildern werden könnten, wenn ich das richtige Bildmaterial finde.
Was verbirgt sich hinter der Oberfläche des Bildes? Was sind Ihre Techniken, Ihre Arbeitsmittel? Du arbeitest sehr methodisch, bereitest das Projekt akribisch am Computer vor, während der Entstehungsprozess des Bildes selbst eine Collage aus verschiedenen Autorentechniken ist.
Ich möchte in meinen Gemälden so viele verschiedene visuelle Qualitäten wie möglich erreichen, die sich aus den vorbereiteten Entwürfen ergeben. Oft erfinde ich für meine Zwecke recht komplizierte Techniken, um verschiedene Texturen oder plastische Qualitäten zu erzielen. Zum Beispiel bade ich Gemälde in der Dusche und übertrage dabei meine Erfahrungen aus der fotografischen Dunkelkammer, um die Körnigkeit eines alten Gemäldes auf einer Malerleinwand zu reproduzieren. Ich verwende Schablonen und Klebeband, um scharfe Kanten zu erzeugen, die an Papierschnitte in einer Collage erinnern. Manchmal male ich auch mit dem Pinsel, aber das kommt bei mir eher selten vor.
Sie bezeichnen sich selbst als Maler und nicht als bildender Künstler, obwohl Sie nur selten einen Pinsel und Farben benutzen. Wer ist heute ein Maler?
Ein Maler muss nicht unbedingt einen Pinsel und Farben in der Hand haben und mit einer Baskenmütze an einer Staffelei sitzen. Ein Maler ist in erster Linie jemand, der einfach Bilder schafft. Mit seinen eigenen Händen zeigt er Fragmente der erlebten oder vorgefundenen Wirklichkeit auf einer Fläche. Und mit Hilfe dieser Flächen, oder dieser Oberflächen, die ich erwähnt habe, kommuniziert er etwas Tiefgründiges, aber auf eine sehr einfache Weise. Es scheint mir, dass die Malerei etwas sehr Einfaches ist.
Da würde ich widersprechen. Wenn auch nur in Bezug auf die Komplexität der Techniken .
Obwohl die Techniken und Methoden der Malerei kompliziert und arbeitsintensiv sein können, ist die eigentliche Geste des Malens eines Bildes, die Idee, Gedanken auf visuelle Weise mitzuteilen, etwas Einfaches in dem Sinne, dass es sich um eine ziemlich ursprüngliche, materielle Tätigkeit handelt.
Diese Idee findet sich in einer Reihe von Werken wieder, in denen Sie OSB-Platten malerisch nachahmen. Die Platte, ein alltägliches und allgegenwärtiges Baumaterial, ist für Sie zu einer Chiffre für das Nachdenken über die Zeitgenossenschaft geworden, zu einem Symbol für die noch (un)bevorstehende Modernisierung, zu einer Metapher für die Malerei und den Prozess des Sehens selbst.
Allein der Akt, OSB in der Realität zu sehen und zum ersten Mal zu malen, hat meine Vorstellungskraft sehr angeregt. Ich öffnete mich dafür, anders darüber nachzudenken, was ein Gemälde ist. Ich habe sogar einige der Werke der OSB-Serie in städtischen Räumen aufgehängt, im Grunde nur, um mir selbst zu beweisen, dass ich sie gut gemalt hatte, um die Genugtuung zu haben, von niemandem gesehen zu werden. Im Zusammenhang mit der Malerei ist das eine paradoxe Situation. Das OSB ist in meiner Vorstellung eine gewisse Metapher für den Zustand der Realität oder den Zustand, den ich empfinde – die Unsicherheit über die Zukunft. Eine gewisse Desillusionierung über die Qualität vieler Dinge, die heutzutage passieren.
Das Brett ist ein sehr vielseitiges Baumaterial, so ein Ding. Das hat es für mich zu einem perfekten Motiv gemacht, um es künstlerisch zu nutzen, in verschiedene Kontexte zu stellen, neu zu bemalen. Auf den ersten Blick wirkt es uninteressant und langweilig, und gerade deshalb ist es als Malmotiv so interessant und ergiebig. Ich spüre ein großes Potenzial in ihm, weshalb ich es wie besessen male.
Es ist erstaunlich, welche Kraft die Geste, die Aufmerksamkeit auf einen Aspekt der Realität zu lenken, hat. Durch das Prisma meiner Arbeit denke ich über das Phänomen des Auslassens und der Sichtbarkeit nach, über unsere Gewohnheiten und Verträge, in denen wir annehmen, was für uns interessant ist und was nicht. Seit ich OSBs male, habe ich begonnen, sehr aufmerksam auf die gesamte Umgebung und den städtischen Raum zu achten, in dem ich mich bewege. Plötzlich stellte sich heraus, dass es diese Platten in Hülle und Fülle gibt und sie überall zu finden sind, nur hatte ich sie vorher nicht gesehen. Seit einiger Zeit sammle ich übrigens Fotos und mache Aufnahmen von solchen Orten, an denen OSB auftauchen. Und ich habe schon Hunderte davon. Interessant finde ich, dass meine malerische Geste auch beim Betrachter eine andere Art von Wachheit auslöst, eine andere Wahrnehmung des Raumes, in dem wir uns befinden.
Wie sind Sie technisch zu dieser perfekten Illusion von OSB gekommen? Eine scheinbar einfache Aufgabe entpuppte sich als kompliziert, nicht wahr?
Zunächst dachte ich, dass das Malen von OSB etwas sehr Einfaches wäre. Man müsste nur die Leinwand braun anmalen, und schon wäre man fertig. Es stellte sich heraus, dass es eine sehr komplizierte und intensive Studie eines Themas ist, das viele Nuancen aufweist, die mit großer Sorgfalt wiedergegeben werden müssen. Heute gelingt mir das sehr effizient und schnell, aber ich habe viele Monate gebraucht, um eine Methode zu finden, mit der ich die Textur einer Tafel auf der Leinwand überzeugend wiedergeben kann. Am einfachsten ging das mit Pinsel und Farbe, obwohl ich verschiedene komplizierte Techniken ausprobierte. Zunächst schien es mir, als sei die Platte auch eine Collage aus sehr vielen Ausschnitten und Fragmenten. Und ich habe versucht, die Logik dieser Collage mit meinen alten Methoden auf der Leinwand zu reproduzieren, indem ich jede Holzspanplatte einzeln ausgeschnitten habe. Das war furchtbar arbeitsintensiv und nicht sehr befriedigend. Letztendlich stellte sich heraus, dass das Wichtigste beimMalen von OSB darin besteht, eine überzeugende Illusionzu erreichen. Eine,bei der jedes einzelne Element unwichtig ist, während das Wichtigste das Gesamtbild, der Gesamteindruckist.
Heute finde ich das Malen eines Plattenmotivs sehr entspannend. Ich habe das Stadium erreicht, das ich bei der Arbeit an Bildern mag. Auch wenn ich eine sehr detaillierte und zeitaufwändige Arbeit zu erledigen habe, kann ich mein Denken abschalten und mich auf die sich wiederholende, meditative Tätigkeit konzentrieren.
Bieten diese Momente der mühsamen Arbeit einen Moment der Erholung von der Reizverarbeitung, der ständigen geistigen Collage?
Der mühsame malerische Prozess kann auch angenehm sein. Ich genieße es sehr, mich mit dem Malen von Bildern zu ?ermüden’ und es mir manchmal schwer zu machen, das Werk zu vollenden. Ich bin sehr akribisch, diese Art der Konzentration liegt mir sehr, ich ‘bastle’ lange an einem Bild herum. Ich habe verschiedene Arbeitsphasen, der Prozess verläuft bei mir in Wellen. Manchmal komme ich ins Atelier und verbringe die Zeit im Grunde nur damit, nachzudenken und in den Materialien zu wühlen. Oberflächlich betrachtet, passiert nichts. Aber die Gedanken fließen frei, es entstehen Bilder. Aber ich bin auch in einem Modus, in dem ich mich auf eine ganz bestimmte Aufgabe konzentriere. Auf das Ausschneiden von Schablonen, auf das Bemalen einer OSB-Platte. Ich konzentriere mich dann darauf, diese eine Sache so präzise wie möglich zu machen. Ich weiß eigentlich nicht, welche dieser Phasen mir besser gefällt. Was mir am besten gefällt, ist, dass sie ineinander greifen.
Ihr Atelier ist ein vielschichtiger Raum, in dem sich verschiedene Fäden kreuzen: Ihr kreativer Raum, die vonIhnen geführteGalerie Lady of the House , die Geschichte des Ortes und der Charakter des Viertels.
Ich betrachte das Atelier als einen Raum, der von der übrigen Welt abgeschottet ist. Wenn ich hierher komme, habe ich das Gefühl, dass ich an einem sicheren Ort bin, abgeschnitten von der Realität. Normalerweise bin ich hier allein, es ist meist angenehm. Ich schaffe mir die Bedingungen, die mir passen. Ich höre Musik, trinke Kaffee, mache, was ich will. Und die Tatsache, dass ich ein Atelier in einem Mietshaus habe, in einer alten, ziemlich heruntergekommenen Wohnung, kommt mir sehr gelegen. Es ist ein Traumort für ein Atelier. Ich kann es nach meinen Vorstellungen umgestalten, darin herumwühlen, den Raum für das nutzen, was ich brauche, so wie ich es will.
Das spürt man in Ihren Bildern, die, wie der Atelierraum, voller Schichten, Verbindungen, Zusammenhänge sind.
Das Atelier ist ein Laboratorium für Ideen. Hier arbeite ich, aber ich bin auch einfach da, denke nach, rede, surfe im Internet, höre Musik.Indem ich mein eigenes Atelier beobachte, in dem ich meine neuen und älteren Arbeiten, Skizzen, aber auch Objekte, die mich interessieren, sammle, finde ich neue Anregungen – für neue Verbindungen oder um über Dinge, die ich gut kenne, auf eine ganz andere Weise nachzudenken.
Versetzen Sie sich für einen Moment in die Lage des Betrachters Ihrer Kunst. Welche Frage würden Sie sich gerne stellen? Oder welche Antwortwürden Sie gerneerhalten?
Ich denke, dass die Betrachter meiner Arbeit viele verschiedene Fragen und Zweifel haben, wenn sie meine Bilder oder meine Arbeitsweise betrachten. Und das ist im Grunde mein Ziel. Meine Arbeit soll faszinierend sein, viele Dinge sollen ungewiss sein. Ich denke gerne darüber nach, wie Gemälde verwendet werden: Gemälde werden verwendet, um die Vorstellungskraft anzuregen, um zu sprechen, um anders über das zu denken, was vertraut erscheint.
Kreativdirektion, Text: Agata Kiedrowicz
Fotos: Michal Bachora
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