Lleno de objetos intrigantes, retazos de materia y de vida, que vuelven en los cuadros como secuelas de recuerdos. El estudio del artista Mateusz Piestrak es un laboratorio de ideas. Aquí es donde las cosas y las ideas se encuentran y desencadenan impulsos para buscar nuevas imágenes, primero en la imaginación y luego en el lienzo. El artista visual Mateusz Piestrak es entrevistado por Agata Kiedrowicz
Las obras de Mateusz Piestrak están disponibles en la plataforma www.onarte.pl como parte de la exposición “OBJECTS FOR THINKING. SELECCIÓN CURATORIAL DE ARTE ON*ARTE Y WHITEMAD”. Más información pinchando AQUÍ.
Agata Kiedrowicz: ¿Tiene placeres artísticos? ¿En qué consisten y cuándo se convierten en un cuadro?
Mateusz Piestrak: Funciono en el modo de observar constantemente imágenes diferentes. No en el sentido de composiciones acabadas, sino de captar fragmentos de la realidad y convertirlos en un posible material visual para su uso. Guardo estos “archivos” en algún lugar de mi mente, incluso en el ordenador; hago muchas fotografías. Cuanto menos interesantes sean a primera vista, mejor. En el momento en que dos piezas ajenas entre sí empiezan a juntarse de forma no evidente, comienza el proceso de creación de una imagen. Al principio en mi cabeza, luego en bocetos, normalmente en el ordenador, pero a veces también analógicos, en trozos de papel. Incluso antes de empezar a pintar, la imagen madura y se hace realidad en mi imaginación. Cuando me acerco al lienzo, ya sé qué aspecto tendrá, de qué tratará, de qué fragmentos constará y cómo los juntaré. A estas alturas ya nada suele sorprenderme. Lo que viene después, la pintura física, es un proceso que en realidad asocio con la diversión, con la resolución de un rompecabezas, una tarea emocionante. El proceso puede sorprenderme posiblemente con algunos matices que dan placer artístico. La forma en que la pintura se asienta en el lienzo, o el hecho de que algún elemento del diseño no se haya traducido en la composición y se haya cometido un error interesante. Pero son sorpresas menores.
¿Existeuna clave según la cual usted encaja los fragmentos individuales? ¿Qué sentido trabaja más intensamente en el proceso de selección de estímulos?
Para mí, el más importante con diferencia es la vista. Convierto en imágenes todo lo que experimento. En ese sentido, también siento que aplano de algún modo todo lo que veo. No se trata de una visión superficial de las cosas, sino de un interés por las superficies que a veces tienen un segundo, tercer fondo, significados ocultos. La pintura consiste en mostrar la superficie de las cosas. Detrás de esta fachada hay asociaciones, y son éstas las que utilizo como pegamento para unir los distintos elementos del cuadro en yuxtaposiciones no evidentes. De esas que no se darían en la realidad o que estimulan la imaginación.
Usted subraya que la pintura se basa en la superficie. Recoge significados, procesados por su sensibilidad, y los reduce a una superficie plana, que luego sugiere al espectador en forma de cuadro. ¿Quiere que el espectador resuelva el rompecabezas, que descifre de qué está hecha la composición?
Soy muy consciente de que con esta superficialidad estoy jugando, provocando. Tanto yo como el espectador sabemos que detrás de la superficie plana se esconden varias cosas. A veces juego con la ilusión de espacialidad, o con la ocultación o revelación de diferentes capas de lienzo en un cuadro. Sugiero que detrás de estas fachadas se pueden encontrar otras capas, otros significados. Aunque hablo mucho de esta superficie, no me detengo en ella. La idea es bajar todo a las vistas planas primero. Y luego escarbar en ellas y encontrar diferentes contextos, interpretaciones.
¿Y cuándo titula sus obras?
Varía con los títulos. A veces me ocurre que ya tengo cuadros o conceptos muy concretos listos, pero no tengo ni idea de qué palabras ponerles. Últimamente, he empezado a ser más sensible a las palabras. Han empezado a darme ideas diferentes para las imágenes. Porque aunque no utilizo el lenguaje o el texto en mi trabajo, presto mucha atención a las palabras que oigo en las conversaciones o en los mensajes de los medios de comunicación. También me gusta sacar las palabras de contexto y ver cómo pueden combinarse con otros fragmentos de texto, creando yuxtaposiciones un tanto poéticas. También he empezado a catalogar palabras de moda interesantes que podrían convertirse en imágenes en el futuro, cuando encuentre el material visual adecuado.
¿Qué hay detrás de la superficie de la imagen? ¿Cuáles son sus técnicas, sus herramientas de trabajo? Trabajas muy metódicamente, preparando meticulosamente el proyecto en el ordenador, mientras que el proceso de creación del cuadro en sí es un collage de diversas técnicas de autor.
Me gusta conseguir en mis cuadros tantas cualidades visuales diferentes como sea posible, resultantes de los diseños preparados. A menudo invento, para mis propios fines, técnicas bastante complicadas para obtener diversas texturas o calidades plásticas. Por ejemplo, baño los cuadros en la ducha, trasladando mi experiencia del cuarto oscuro fotográfico, para reproducir la granulosidad de un cuadro antiguo en un lienzo de pintor. Utilizo plantillas y cinta adhesiva para crear bordes afilados, que recuerdan a los recortes de papel en un collage. A veces pinto con pincel, pero esto es bastante raro en mí.
Usted se define como pintor, no como artista plástico, aunque rara vez utilice pincel y pintura. ¿Quién es pintor hoy en día?
Un pintor no tiene por qué empuñar un pincel y pinturas, y sentarse en un caballete con una boina. Un pintor es ante todo alguien que simplemente crea imágenes. Con sus propias manos, muestra en un plano fragmentos de la realidad vivida o encontrada. Y mediante esos planos, o esas superficies que he mencionado, comunica algo profundo, pero de forma muy sencilla. Me parece que la pintura es algo muy sencillo.
Aquí me gustaría discutir. Aunque sólo sea en cuanto a la complejidad de las técnicas.
Aunque las técnicas y los métodos de la pintura pueden ser complicados y laboriosos, el gesto mismo de pintar un cuadro, la idea misma de comunicar pensamientos de forma visual, es algo sencillo en el sentido de que se trata de una actividad material bastante primitiva.
Se puede encontrar esta idea en una serie de obras en las que imita el OSB de forma pictórica. Para usted, el tablero, un material de construcción común y omnipresente, se ha convertido en una cifra para pensar en la contemporaneidad, un símbolo de la todavía (in)inminente modernización, una metáfora de la pintura y del propio proceso de ver.
El mero hecho de ver OSB en la realidad y pintarlo por primera vez estimuló mi imaginación. Me abrí a pensar de otra manera sobre lo que es un cuadro. Incluso monté algunas de las obras de la serie OSB en espacios urbanos, básicamente para probarme a mí mismo que las había pintado bien, para tener la satisfacción de no ser visto por nadie. Lo cual, en el contexto de la pintura, es una situación paradójica. El OSB es, en mi imaginación, una cierta metáfora de la condición de la realidad, o del estado que siento: incertidumbre sobre el futuro. Una cierta desilusión con la calidad de muchas cosas que ocurren hoy en día.
El tablero es un material de construcción muy versátil. Esto ha hecho que para mí sea un motivo perfecto para utilizarlo artísticamente, para colocarlo en diferentes contextos, para repintarlo. A primera vista, parece poco interesante y aburrido, y precisamente por eso es tan interesante y amplio como motivo pictórico. Le veo un gran potencial, por eso lo pinto obsesivamente.
Es asombroso el poder que tiene el gesto de dirigir la atención hacia un aspecto de la realidad. A través del prisma de mi obra, pienso en el fenómeno de la omisión y la visibilidad, en nuestros hábitos y contratos en los que asumimos lo que nos interesa y lo que no. Desde que pinto OSB, he empezado a estar muy atenta a todo el entorno y al espacio urbano por el que me muevo. De repente, resultó que estos tableros abundan y están por todas partes, sólo que yo no los había visto antes. Desde hace algún tiempo, por cierto, colecciono fotos y hago fotos de esos lugares donde aparecen OSB. Y ya tengo cientos de ellas. Lo que me parece interesante es que mi gesto pictórico también desencadena en el espectador otro tipo de alerta, una percepción diferente del espacio en el que nos encontramos.
¿Cómo consiguió técnicamente esta ilusión perfecta de OSB? Una tarea aparentemente sencilla resultó complicada, ¿verdad?
Al principio pensé que pintar OSB sería algo muy sencillo. Que lo único que había que hacer era pintar el lienzo de marrón y listo. Resultó ser un estudio muy complicado y envolvente de un tema que tiene muchos matices que hay que plasmar con mucho cuidado. Ahora lo hago de forma muy eficaz y rápida, pero en realidad tardé muchos meses en llegar a un método para reproducir de forma convincente la textura de un panel sobre lienzo. La forma más fácil de hacerlo era con pincel y pintura, aunque probé varias técnicas complicadas. Al principio, me parecía que la plancha era también un collage de muchísimos recortes y fragmentos. Y traté de reproducir la lógica de este collage con mis viejos métodos sobre el lienzo, recortando uno a uno cada copo de madera. Fue un trabajo terriblemente laborioso y no muy satisfactorio. Al final, resultó que lo más importante en elproceso de pintar tableros OSB es conseguir una ilusión convincente.Una en la que cada elemento individual carece de importancia, mientras que lo más importante es el aspecto global, la impresión general.
Hoy en día, pintar un motivo de losas me resulta muy relajante. He llegado a la fase que me gusta de trabajar en pintura. Aunque tengo que hacer un trabajo muy detallado y que requiere mucho tiempo, puedo desconectar mis pensamientos y concentrarme en la actividad repetitiva y meditativa.
¿Estos momentos de trabajo minucioso ofrecen un respiro del procesamiento de estímulos, del constante collage mental?
El meticuloso proceso pictórico también puede ser agradable. Disfruto mucho “cansándome” pintando imágenes y, a veces, poniéndome dificultades para completar el trabajo establecido. Soy muy meticuloso, este tipo de concentración me va muy bien, “juguetear” con un cuadro durante mucho tiempo. Tengo diferentes periodos de trabajo, el proceso va en oleadas para mí. A veces vengo al estudio y me paso el tiempo aquí, básicamente pensando, rebuscando entre los materiales. En apariencia, no pasa nada. Pero los pensamientos fluyen libremente, surgen imágenes. Pero también me concentro en una tarea muy concreta. En recortar plantillas, en pintar un tablero OSB. Entonces me concentro en hacer esa única cosa con la mayor precisión posible. De hecho, no sé cuál de estas etapas me gusta más. Lo que más me gusta es que se entrelazan.
Tu estudio es un espacio de múltiples capas, con diferentes hilos que se entrecruzan: tu espacio creativo, la galería Lady of the Houseque diriges, la historia del lugar y el carácter del barrio.
Trato el estudio como un espacio separado del resto del mundo. Tengo la sensación de que cuando vengo aquí estoy en un lugar seguro, aislado de la realidad. Suelo estar solo, suele ser agradable. Creo las condiciones que me convienen. Escucho música, bebo café, hago lo que me gusta. Y el hecho de tener un taller en una casa de vecindad, en un piso viejo y bastante destartalado, me viene muy bien. Es un lugar de ensueño para un estudio. Puedo transformarlo a mi manera, trastear en él, utilizar el espacio para lo que necesite, como yo quiera.
Esto se percibe en tus cuadros, que, como el espacio del estudio, están llenos de capas, conexiones, contextos.
El estudio funciona como un laboratorio de ideas. Aquí es donde trabajo, pero también donde simplemente estoy, pensando, hablando, navegando por internet, escuchando música.Observando mi propio estudio, donde colecciono mis obras nuevas y antiguas, bocetos, pero también objetos que me intrigan, encuentro nuevos estímulos: para nuevas conexiones, o para pensar en cosas que conozco bien, de una manera completamente distinta.
Póngase por un momento en la piel del espectador de sus obras. ¿Qué pregunta le gustaría hacerse? ¿O qué respuesta le gustaría obtener?
Creo que el espectador de mi obra puede plantearse muchas preguntas y dudas al contemplar mis cuadros o mi forma de trabajar. Y ese es básicamente mi objetivo. Hacer que mi obra sea intrigante, que haya muchas cosas inciertas. Me gusta pensar en cómo se utilizan los cuadros: los cuadros se utilizan para estimular la imaginación, para hablar, para pensar de forma diferente sobre lo que parece familiar.
Dirección creativa, texto: Agata Kiedrowicz
Fotos: Michal Bachora
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